Current exhibition

ELAPSE / END. ANDY BOOT, N.DASH, JOANA ESCOVAL, FAY NICOLSON, DANIEL STEEGMANN MANGRANÉ. 23 mayo 2015 - 25 julio 2015

Joana Escoval

PRESS RELEASE.

“But if we want to get from materials the sense of directness, the adventure of being close to the stuff the world is made of, we have to go back to the material itself, to its original state, and from there on partake in its stages of change ”. Anni Albers, Work with material, 1937 Maisterravalbuena tiene el placer de presentar la exposición colectiva “Transcurso y término” con la participación de Andy Boot, N. Dash, Joana Escoval, Fay Nicolson y Daniel Steegmann Mangrané. Transcurso y término son dos situaciones o estados que se encuentran dentro de la estructura del acto de hacer, seleccionar y elegir. En el caso de los artistas presentes en la exposición estos dos conceptos se evidencian en la inclusión de diferentes manifestaciones de tiempo en el proceso, y en el uso del material como contenedor de ese fenómeno que da término a la obra, desacelerando así el movimiento generado en el proceso una vez emplazada la obra en el contexto del espacio expositivo. Las piezas presentes en “Transcurso y término” reflexionan sobre la idea del material (tanto sus cualidades como sus usos culturales) como transmisor de conocimiento a la vez que como documento que revela un proceso donde se han ido solapando diferentes narrativas a través de su elección, relación, manipulación y manufactura. Las relaciones y tensiones físicas y simbólicas entre materiales tan dispares como la seda, el metal, piedras, algas, grafito, insectos, ramas o bronce, funcionan aquí como elementos desestabilizadores que cuestionan ideas de representación y repetición a través de su disposición causan una reflexión sobre el uso de la réplica o la copia. Incidiendo en la idea del material como contenedor de diferentes tiempos y de la idea del uso expositivo de la obra como forma abrupta de concluir un proceso, N. Dash presenta tres trabajos de la serie “Commuter”. Commuter es una palabra inglesa que da nombre a las personas que utilizan el transporte público para desplazarse de su casa al trabajo. Dash realiza esta serie en estos desplazamientos donde normalmente se realizan actividades casi de forma mecánica como leer, o chatear con el móvil. Dash siempre lleva consigo un papel y es en estos lugares, donde de forma automática lo pliega y los despliega infinidad de veces hasta casi deshilachar por completo su fibra. Son las cualidades físicas del material las que originan la decisión de concluir la pieza. Cuando esta apunto de romperse el papel, Dash aplica en su superficie una capa de cera de color o de grafito como forma de encapsular o sellar esa acción. Al incorporar el proceso de la obra a un espacio público de su vida rutinaria, Dash se aleja de la intención preconcebida de creación, convirtiéndose ésta en una necesidad vital. Esta forma de dibujar a través del tacto y de la transformación física del papel hace que Dash cuestione la representación construida y reivindique el acto de hacer por sí mismo. En la serie Commuter el tiempo tiene casi una cualidad física y no hay cabida a la rectificación, todo el tiempo invertido en el proceso queda registrado sobre el soporte, tomando éste la función de imagen. Joana Escoval presenta esculturas en la que relaciona materiales fríos como el latón, la plata o el bronce con orgánicos como piedras, papel o algas. Materiales relacionados, unos con la cultura y por tanto trabajados a través de procesos controlados, y otros que vienen del espacio de la naturaleza donde su composición, color y forma han sido originados en miles de años y donde el azar es un elemento importante. Esta simbiosis de opuestos se puede ver en la escultura “Useless Education”. Aquí encontramos dos piedras de exacta forma, una moldeada por procesos naturales a través de diferentes ciclos geológicos y otra realizada en bronce copiando la forma de la anterior. Como se puede ver también en las piezas de Andy Boot y de Fay Nicolson, este trabajo remite a la idea de la copia como una alegoría del objeto representado, dotándolo de un significado diferente al original. “Useless Education”, puede simbolizar el intento fallido de la terminación de un proceso, como un intento de control y de compresión de un fenómeno de inabarcable tránsito. Andy Boot presenta tres esculturas de su última serie de trabajos donde indaga sobre la idea de copia, patrón y serialidad, y de los usos del lenguaje y del consumo de información. En estos trabajos Boot imprime digitalmente diferentes patrones sobre rejillas de metal adheridas a unas bases rectangulares de cemento que toman diferentes formas orgánicas. Los diferentes patrones impresos en la rejillas de metal están inspirados en los fondos de pantalla de Geocities, la malograda plataforma que permitía personalizar webs. En ocasiones, estos fondos de pantalla intentaban ser comentarios abstractos de la actividad a la que iba destinada cada web; los títulos de las esculturas de Boot hacen referencia a este hecho, como un intento de dar cualidades figurativas al patrón a través del lenguaje. Fay Nicolson también recurre a la idea de copia y repetición como parte de un proceso creativo, reflexionando a través del material y sus usos sobre sistemas de aprendizaje y educación. Para esta ocasión, Nicolson presenta dos series de trabajos donde combina sistemas de productividad mecánica con el quehacer manual. Nicolson pinta a la acuarela sobre papeles cuadriculados de pequeño formato siguiendo un sistema de repetición a través de un patrón de forma y color. Una vez terminada la acuarela la escanea e imprime la imagen a gran formato sobre una tela de seda. La impresión aplana y enfría la estructura de la acuarela que contrasta con la sensualidad del soporte. En los dos trabajos sobre tela presentes en la exposición vemos que en uno de ellos tiene un sistema de serialidad y color siguiendo la trama de la cuadrícula, pero en el otro se presentan unas formas gestuales de apariencia azarosa, que no siguen el orden de la cuadrícula provocando tensión entre la imagen y la trama. Estas manchas en realidad han sido producidas mientras Nicolson pintaba la otra pieza. Antes de dar una pincelada de color, la artista presiona el pincel sobre un papel para quitar el exceso de pintura y es a través de estas acciones como se ha compuesto la pieza. De esta manera, Nicolson subvierte la idea simbólica de la cuadricula como estructura que ordena un proceso y que funciona como el marco de un sistema rígido. Daniel Steegmann Mangrané presenta Morfogenisis – cripsis, una pieza mural realizada con lápices de colores, un insecto palo y una rama de árbol. Cripsis es un fenómeno por el que un organismo vivo presenta adaptaciones para protegerse de otros animales. El insecto palo por ejemplo, toma forma de rama para camuflarse de sus depredadores. En esta pieza Steegmann reflexiona sobre el alejamiento del modernismo de lo fenomenológico poniendo en el mismo plano lo geométrico y lo orgánico, y el movimiento con lo estático. Las líneas dibujadas sobre el muro imitan las formas orgánicas de la rama del árbol y estás se confunden con las del insecto palo, cuestionando así las jerarquías de la representación.

REGINA DE MIGUEL. ANSIBLE. 14 March - 16 May

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PRESS RELEASE. PDF VERSION

This is a story of biopower and biosociality, as well as of technoscience.

Donna Haraway, The Companion Species Manifesto.

Ansible shows a space, sound and light display that is arranged to represent recognizable aspects and references at sites such as: laboratories, seed banks and environments for the controlled cultivation of artificial life in living organisms; stores of geological samples and herbarium collections found in contexts such as the Madrid Centre for Astrobiology, associated to NASA; in vitro cultivation of endangered species in the Sao Paulo Botanical Garden; the Institute of Volcanology within the University of Barcelona; the Santiago de Chile Museum of Natural Sciences; and the Seed Bank in Vicuña (northern Chile).

In the recreation of this environment we will not find the usual stabilizing elements but rather others which introduce formal and symbolic variables that contradict the utilitarian logic of scientific simulation or artificial maintenance of life forms to accommodate speculative thinking. Instead of germinating seeds in petri dishes (a simulation of lives that can no longer be found in their endemic ecosystems), we will find fossils of various different plant species which have disappeared or are in danger of extinction, found in historical archives and subsequently carved out on the specular surfaces of obsidian rocks.

This material (crystallized lava) has historically been attributed with being able to connect different worlds; a magic screen or interface between different realities. Here, taken as a dialectical object, it materializes as a fossil, but also as a mirror. This material has the vitreous nature of the vials of seed stock, however it has been processed as a lapidary object; it is a memento mori where materials which act in two different directions are constantly intertwined. On the one hand, they make up the “raw material” of existence, on the other, they point to the problems of a planet in crisis, where we see ourselves as fossils of a future universe, not devoid of life, or thinking – but maybe of ourselves.

In addition two actions will take place in the room with the producer and experimental musician, Lucrecia Dalt, and the programmer and performer, Jan Mech. The constant light temperature, which is usually essential for maintaining artificial life, will be changed using Arduino programming, following the modulation of four sound and text compositions (played by automaton voice overs), which go through dreamscapes of resilient lives; from extremophile sciences, necropolitics, extractivism and artificial life… etc.

* Ansible (from the English word, answerable) is a term coined for science fiction by the writer, Ursula K. Leguin, who describes her invention in her 1974 novel “The Dispossessed: An Ambiguous Utopia”.

REGINA DE MIGUEL (Málaga, 1977) has set up individual exhibitions in General Public, Berlin (2011), Altes Finanzamt, Berlin (2010), MUSAC, León (2008) or Maisterravalbuena, Madrid (2007 and 2012). She has also exhibited in group shows as The Future Won’t Wait, La Capella, Barcelona (2014), Rencontres Internationales, Haus der Kulturen der Welt, Berlin and Palais de Tokyo, Paris (2013), Of Time & Place, Gasworks Londres (2012), Alrededor es imposible, Casa Encendida, Madrid (2011). Out of the black, Reh Kunst, Berlin (2011). In 2012, she gained the First Award in the IX Purificación García Photography Competition with the artwork “Un efecto de verdad” and the Hangar Grant, Plataforma Cultura Digital, Chile. In 2011, she obtained the XII ABC Art Grant and she is currently developing an audiovisual project with the BBVA Foundation Grant. Her work can be found in important collections including, among others, the Museo Reina Sofía, CGAC and Fundación ARCO.